Perubahan kinetik dalam seni part 2

Dalam karangan ditulis oleh Stephen Bann yang bertajuk “Unity and Diversity in Kinetic Art” membincangkan permasalahan uniti dan hala tuju seni kinetik. Selain itu, beliau menyantakan dalam karangannya “I believe there to be a real unity within the field of kinetic art, in spite of the apparent incompatibility…” - Stephen Bann. Selain itu, Stephen Bann cuba mengesan uniti dalam seni kinetik berdasarkan gabungan permukaan homogeneous dengan struktur. Percubaan menggunakan uniti pada seni catan barat dibuktikan oleh Cezanne dimana “Femmes d’Algers” oleh Delacroix menghasilkan seperti “Persian carpet” dan menghasilkan pigmen dan homogeneity bagi mengimbangi permukaan catan berdasarkan konsep tradisional iaitu “subject matter”. Setiap karya mempunyai identiti tersendiri yang dapat dijelaskan dengan ciri seperti nama karya yang dapat menarik minat umum dalam memenuhi kehendak seni kontempori. Pecahan “Op art” dalam seni kinetik berdasarkan penggunaan pergerakan “actual” dimana ia dapat dijelaskan dengan retina. Perbezaan ini menyebabkan pecahan dua pameran di Museum of Modern Art di New York.

Selain itu, seni kinetik menpunyai hubungan rapat antara gambaran pergerakan dan falsafah seperti expressi masa dan pergerakan dalam seni dan pengiraan matematik. Konsep seperti ‘progress’, ‘order’, repetition’ dan ‘the terms of information theory’ adalah perkembangan kerja seni dalam elemen pergerakan. Teori aestetik mempunyai kaitan dengan pergerakan dan ia banyak mempengaruhi artist, dan Frank Popper menyantakan bahawa kinetik berkait dengan kekuatan dan tenaga – ‘The Aesthetic of Movement’ oleh P. Souriau (1899) – Bergson’s notion of ‘mobilties’. Schofter telah menyusun pemanadangan ‘Formes et lumieres’ di Liege, dimana alat pantulan dari rekaan dinding kaca ‘Palais de Congres’ dan keluasan permukaannya adalah 1500 meter.

Matlamat sains adalah membawa pengetahuan kepada phenomena semulajadi dan seni adalah lebih kepada proses penghasilan. Kita dapat lihat penggunaan mekanikal moden melalui karya yang dihasilkan menggunakan teknik photo dalam karya “Degas; the ‘chronophotographies’ of Etienne – Jules Marey and animal and ‘locomotion photographs’ ” oleh Eadweard Muybridge ditunjuk dalam catan oleh Seurat dan penggunaan dalam menerangkan pergerakan ‘stroboscopic’ oleh Futurists.

Oleh itu, kebanyakan artist menggunakan kinetik dalam menghasilkan karya seperti dalam seni catan dan arca. Penggunaan ‘trompe-l’oeil’ dalam karya menghasilkan kesan illusi pada muka bangunan, dalam ‘cupolas’ dan dalam catan. Sejarah ‘colour-organs’ mempunyai hubungan rapat dengan kerja kinetik dalam dua dimensi. Pada masa yang sama, terdapat kumpulan yang menghasilkan karya yang berkait dengan kinetik seperti “The Groupe Recherche d’Art Visuel”.

Penghasilan karya banyak melibatkan “The Groupe Recherche d’Art Visuel” dalam seni kinetik. Juxtaposition (seni visual di tengah Minneapolis, Minnesota) merupakan seni redikal yang diperkenalkan oleh “The Groupe Recherche d’Art Visuel” sebagai kinetik tetapi merupakan salah tafsiran mengenai maksud seni kinetik. Tambahan pula, “The Goupe Recherche d’Art Visuel” lebih menumpukan kepada bentuk “virtual” dan “actual” dalam menghasilkan karya. Kebanyakan artist menggunakan dua jenis pergerakan dalam seni kinetik iaitu “actual” dan “virtual” menghasilkan karya. Vardanega menghasilkan karya berbentuk tiga dimensi sebagai “the principle of movement”. Selain itu, Boto menghasilkan karya menggunakan bentuk asas seperti selinder dengan mengubah ruang dan pencahayaan. Selain “The Goupe Recherche d’Art Visuel”, artist dari Venezuelan, Cruz-Deiz menggunakan optikal kinetik sebagai karyanya selain itu beliau menggunakan ‘chromatic illusions’. Soto menggunakan pergerakan ‘virtual’ dimana pergerakan sebagai phenomenan optikal dan tekanan suara atau ‘vibration’. Dengan “polyphonic painting’’ karya ini mempunyai maksud gerak, dan struktur dihasilkan oleh Agam. Ia bergetar apabila disentuh dan menghasilkan gambaran dan bentuk hilang dalam pergerakan. Banyak karya menggunakan pergrakan ‘virtual’ menjadi berkesan dalam menghasilkannya.

Seni kinetik merupakan penyelesaian pada tema dan masalah umum pada pergerakan dan ia memerlukan rekaan pemandangan yang teratur. Sebagai contohnya, mural kinetik Malina untuk Pergamon Press di Oxford, arca hidrolik di persimpangan jalan terpenting di Buenos Aires oleh Kosice’s dan Vardanega’s model muzik “light-colunms” untuk French Electricity Board. Frank Popper membuat kesimpulan dalam karangannya “new artist, with new problems and new solutions”. Dalam buku “Origins and Development of Kinetic Art and 'Art, Action and Participation”, Frank Popper menunjukkan bagaimana menelopori ‘unambiguous menggunakan pergerakan optikal yang mempunyai kaitan dengan sains, teknologi, seni dan persekitaran. Ia merupakan kefahaman kita dalam seni dan kepekaan dalam memahami seni sebenar.

Perubahan kinetik dalam seni part 1

Seni kinetik boleh diklasifikasi demonstrasi berdasarkan kecenderungan dalam pergerakan. Perkataan kinetik berasal dari perkataan Greeek yang bermaksud “to move” tetapi maksudnya terbatas pada pengguna maksud saintifik. Maksud seni kinetik dapat dikaitkan dengan pergerakan dalam tema penghasilan karya dimana ia merupakan berterusan. Selain itu, kinetik adalah seni mempunyai pergerakan atau bergantung pada gerakan untuk kesan. Pergerakan bergantung pada kuasa angin, tangan, motor atau pemerhati. Selain itu, ia dapat digerakan dengan mekanikal seperti elektrik, stim, atau “clockwork”. Arca kinetik bukan terhad pada satu gaya tetapi ia merupakan sumber inspirasi terhadap teknologi. Disamping itu, Kinetik tidak merujuk pada mana-mana gaya yang khusus dan boleh dimanipulasi kepada sebarang teknik dan konsep. Terdapat tiga perbezaan aspek kinetik iaitu pergerakan ‘virtual’, pergerakan ‘actual’ dalam tiga dimensi dan pergerakan ‘actual’ dalam dua dimensi. Seni kinetik adalah sesuatu yang mungkin difikir imaginasi atau sumber intelektual dan pengaruh dalam perubahan seni.

Seni kinetik pertama dihasilkan oleh pengarca Naum Gabo dan Antoine Pevsner dalam “Realist Manifesto” merupakan sebahagian manifesto “constructivism” dan seni kinetik pada 1920 di Moscow. Idea ini merupakan ekpressi redikal dalam “Kinetic Construction (Standing Wave)” dimana getaran mendatar yang dihasilkan oleh motor elekterik. Gabo’s “virtual volume” merupakan arca kinetik yang pertama tetapi ia merupakan karya pengasingan. Pada tahun 1922, Kemeny dan Moholy-Ngy menggunakan manifesto yang sama dengan Gabo dan Pevsner dalam kaitan dengan kekuatan dinamik. László Moholy-Ngy berkarya selama bertahun untuk ‘Lichtrequisit’ dan mengembangkan ‘vision in motion’ merupakan terpenting dalam teorikal pada subjek dalam seni. Pada tahun 1923, Duchamp telah mencipta perlatan optikal menggunakan kaedah “Rotary Demisphere, Precision Optics” untuk menghasilkan pergerakan dalam catan dengan meghasilkan pergerakan depan dan belakang pada lingkaran bulat pada catan.

Pada abad ke 18, Jesuit, Father Castel, cuba mengembangkan ‘ocular harpsichord’ dengan tujuannya adalah mencari prinsip analogi antara warna dan not muzik. Kebanyakan artist menggunakan kinetik dalam menghasilkan karya seperti Eggeling, Richter pada sekitar 1920, menghasilkan “tangible motion sculpture’ dalam mengkaji pergerakan. Selain itu, “pergerakan ‘actual’ tidak boleh terlalu ringkas tetapi ia adalah penyelesaian pergerakan yang rumit dimana kontour bergerak atas dan bawah pada bentuk pejal” (Forge, Andrew), George, ‘American of Scottish origin’ dan teorikal bunyi dalam seni kinetik menggunakan garisan lintang dan garisan menegak ‘mobiles’. Selepas Calder, ‘mobiles’ tidak mendapat perhatian dari pengarca – pengarca dan kumpulan ‘Recherche d’Art visual’ di Paris telah menbuat kajian dalam dua atau tiga dimensi dimana ia berkait dengan penggunaan pergerakan.

Tema ‘mobile’ adalah dicipta oleh Marcel Duchamp pada 1931 dan objek direka untuk pameran dan karya beliau bertajuk “Bicycle Wheel” dan kemudian Duchmp menghasilkan putran mesin dalam menghasilkan “optical illusions”. Pada masa yang sama ia dijadikan sebagai alasan kepada Calder untuk meneroka pergerakan secara rambang. Edisi kedua Webster’s New Interntionl Dictionaary pada tahun 1954 menberi definisi mobile sebagai pembinaan keseimbangan atau arca yang dikembangkan oleh Alxender Calder sejak 1930 sebagai pemboleh ubah pergerakan berdasaarkan angin atau mekanikal. Pada tahun 1955, Patrick Heron definisi “mobile” dalam buku bertajuk “The Changing Form of Art;


“An abstract configuration of articulated parts in which each part or segment is free to describe a movement of its own; but it is motion conditioned by, yet distinct from, the movement of all the other articulated segments of which the total construction is made up”

(Patrick Heron, 1955)


Pertama kali “mobile” muncul pada awal 30an menjadikannya sensasi disebabkan arca yang statik kepada bentuk bebas “glued” kepada lantai dan ditetapkan pada pergerakan. Dari segi teknikal reka bentuk masih mempunyai pengaruh dari “Contructivism” László Moholy-Ngy yang mereka “lightspace-modulator di Bauhaus. Pada tahun 1932, Alaxender Calder mengembangkan arca “mobile” kepada tiga jenis. Pertama berdiri, kedua diletak pada dinding dan ketiga strukturnya bebas dalam pelbagai saiz, bentuk dan warna yang tergantung pada siling. Alexander Calder menerangkan di sebalik penghasilan arca kinetik yang bertajuk “Twenty-three Snowflakes”


“Why not plastic forms in motion? Not simple translatory or rotary motion but several motions of different types, speeds and amplitudes composing to make a resultant whole. Just as one can compose colors or forms, so one can compose motions”

(Alexander Calder, 1975)


Kinetik banyak digunakan dalam kerja perekaan seni dan aspek pergerakan dalam kinetik adalah domina. Kebanyakan artist menggunakan expressi seni kinetik dalam mendapat gambaran ilusi abstrak dan ia menunjukan bentuk rekaan dalam menghasilkan complek elektronik tiga dimensi. Dari tahun 1940, Alxender Calder menbut perubahan penggunaan bahan dalam menghasilkan arca dimana Calder menggunakan rod, tali dan wayar. Menggunakan tali menbolehkan arca bergerak dengan bebas. Sebagai contoh, pada tahun1950, Lynn Chadwick menghasilkan pembinaan wayar dimana menunjukan pengaruh Gonzalez juga dikenali ‘Calder mobile’ sebagai sokongan. Kemudian, Kenneth Martin memulakan siri ‘screw-mobiles’ berdasarkan sambungan dan alat pemantul bergerak.

Rythm

art proses

Arca yang saya hasilkan mengenai arca kinetik yang mengfokuskan keseimbangan. Pada permulaan, perbincangan idea dan bahan yang akan digunakan. Idea yersebut dikembangkan dan terperinci mengenai arca kinetik. Dalam arca kinetic yang saya hasilkan lebih kepada mencari keseimbangan objek. saya banyak rujuk kepada arca “mobile” yang dihasilkan oleh Alexander Calder. Selaian itu saya baca mengenai karangan ditulis oleh Frank Popper mengenai proses menghasilkan kinetik dan perkembangan idea kinetik. Pada mulanya saya ingin membuat mengenai “kinetic sound”, kemudian mengembangkan idea tersebut kepada keseimbangan objek. dalam arca mobile, mempunyai satu titik keseimbangan yang memengang dalam keadaan tergantung.
Selain Alexander Calder, saya juga merujuk Max Eastley menghasilkan arca “kinetic sound” dengan menggunakan konsep mobile dan graviti. Dari konsep mobile, saya menggunakan konsep mobile tetapi dengan cara berbeza. Berdasarkan lakaran yang saya lakarkan, titik untuk mengimbang tidak berada ditengah tetapi berada di dua per tiga arca. Pada awal menghasilkan arca terdapat masalah bahan dan menyebabkan bentuk arca ditukar. Pada mulanya bahan akan digunakan kepingan besi dan disebabkan bahan tersebut tidak dibengkel dan susah untuk dapatkannya. Saya menggunakan bhan lain seperti simen.
Terdapat masalah pada peringkat awal dimana simen retak dan bahagian tapaknya tidak kukuh. Masalah berlaku disebabkan campuran tidak teratur dan struktunya tidak kuat. Selepas itu saya berbincang dengan pensyarah bagi menyelesaikan masalah. Saya menggunakan rod besi dan bentuk arca berbentuk organik. Arca akan dihasilkan bertingkat dan titik gravity berbeza setiap tingkat. Dalam proses membuat secara bertingkat terdapat masalah dalam meletak setiap arca dan tidak dapat mengimbangi. Proses menghasilkan arca terbahagi kepada beberapa peringkat. Pada peringkat awal, membuat struktur bagi mendapat bentuk seperti dalam lakaran. Panjang arca diukur bagi menentukan titik keseimbangan.

Saiz arca dipanjangkan berdasarkan keadaan berat rod besi dan bahagian belakang diberatkan. Kemudian titik keseimbangan ditanda sebelum mendapatkan bentuk. Dalam peringkat pertama arca dapat mengimbangi dan titik graviti berada pada dua per tiga arca. Pada peringkat kedua, proses mendapatkan bentuk dan menambah berat pada bahagian belakang. Bagi mengekalkan titik graviti rod besi diletak secara rapat dan dibahgian depan menggunakan rod besi sederhana dan kecil saiz diameter.

Terdapat masalah dalam mengimbangi pada bahagian kiri dan kanan dan setiasa bergerak. Pada peringkat kedua titik keseimbangan setiasa berubah dan berat bahagian tepi tidak menentu. Titik keseimbangan diubah kepada dua bagi mengimbangi bahagian tepi. Pada awal menggunakan rod besi tetapi tidak dapat mengimbangi lebih lama dan menggunakan kepingan besi untuk mmengekalkan keseimbangan.

Selain itu, terdapat masalah lain dimana senang jatuh bila disentuh. Titik keseimbangan setiap berubah bila diangkat atau jatuh. Titik keseimbangan akan berubah satu sentimeter setiap kali diangkat atau jatuh. Perinkat terakhir merupakan kekemasan dan membuat tapak. Bahagian tapak menggunakan kayu dan saiznya lebih kecil dari arca.

Dalam menghasilkan arca kinetic mempuyai banyak masalah dalam menghasilkannya. Bahantara penting dalam menghasilkan arca mengenai keseimbangan dan selain itu saya akan mengembangkan arca kinetic dan idea.

Stephen Bann: Unity and Diversity in Kinetic Art

Seni kinetik boleh diklasifikasi demonstrasi berdasarkan kecenderungan dalam pergerakan. Perkataan kinetic berasal dari perkataan Greeek yang bermaksud “to move” tetapi maksudnya terbatas pada pengguna maksud saintifik sahaja. Maksud seni kinetic dapat dikaitkan dengan pergerakan dalam tema penghasilan karya dimana ia merupakan berterusan. Dalam karangan ditulis oleh Stephen Bann membincangkan permasalahan uniti dan hala tuju seni kenetik. Beliau menyantakan “ I believe there to be a real unity within the field of kinetic art, in spite of the apparent incompatibility…..” - Stephen Bann. Setiap karya mempunyai identity yang dapat dijelaskan dengan cirinya seperti nama karya dapat menarik minat umum dalam memenuhi kehendak seni kontempori. Pecahan “Op art” dalam seni kinetic berdasarkan penggunaan pergerakan “actual” dimana ia dapat dijelaskan dengan retina. Perbezaan ini menyebabkan pecahan dua pameran di Museum of Modern Art di New York.
Pameran pertama diadakan di muzium tersebut dengan menggunakan tajuk “The Responsive Eye”. Pameran kedua diadakan ditempat yang sama tetapi ia dibatalkan. Ia disebabkan perbezaan pendapat tetapi mereka percayai bahawa mereka yang perkenalkan pergerakan. Perubahan penggunaang pergerakan dilakukan oleh “The Groupe Recherche d’Art Visuel selepas mereka menggunakan kedua – dua pergerakan “virtual” dan “actual” dalam menghasilkan karya. Selain itu, berlaku perbezaan pendapat dengan hasil kerja Martha Boto dan Gregorio Vardanega. Ia lebih jelas berbandingan “The Goupe Recherche d’Art Visuel dimana ia lebih menumpukan kepada bentuk “virtual” dan “actual”.
Stephen berpendapat kinetic di Paris lebih bergantung kepada dua faktor. Faktor pertama dari artist luar, mereka datang ke Paris untuk menjual karya dan berjumpa dengan artist lain tanpa mengekalkan tradisi Negara sendiri. Seniman Amerika mengolah bentuk kepada bentuk abstrak tanpa rujukan. Vasarely menggunakan teknik abstrak dalam menghasilkan karya bentuk semulajadi. Stephen berpendapat seni kinetik antara Amerika dengan eropah berbeza. Dalam temu ramah Bridget Riley oleh “The Time” 19 april 1965 “I think my conception of space is more America than English…..”. Dalam karangangan Stephen menerangkan tema menggunakan permukaan dua dimensi dalam menghasilkan ruang.
Subjek merupakan elemen utama secara langsung hubungan unequivocal dalam satu perspectival. Stephen cuba mengesan uniti dalam seni kinetik berdasarkan gabungan permukaan homogeneous dengan struktur. Percubaan menggunakan uniti pada seni catan barat dibuktikan oleh Cezanne dimana “Femmes d’Algers” oleh Delacroix menghasilkan seperti “Persian carpet” dan menghasilkan pigmen dan homogeneity bagi mengimbangi permukaan catan berdasarkan konsep tradisional iaitu “subject matter”. Penyantaan pada januari 1961 dari isu manifesto dalam pameram pergerakan dalam seni di Stockholm, menerangkan mengenai permukaan pergerakan dimana bentuk hilang dan menyumbangkan pada permukaan tetapi struktur mempunyai hubung kait rapat dengan hasil kerja.
Penghasilan karya banyak melibatkan “The Groupe Recherche d’Art Visuel” dalam seni kenetik. Juxtaposition merupakan seni redikal yang diperkenalkan oleh “The Groupe Recherche d’Art Visuel” sebagai kinetic tetapi merupakan salah tafsiran mengenai maksud seni kinetic. Kebanyakan artist menggunakan dua jenis pergerakan dalam seni kinetik iaitu “actual” dan “virtual” menghasilkan karya. Vardanega menghasilkan karya berbentuk tiga dimensi sebagai “the principle of movement”. Selain itu, Boto menghasilkan karya menggunakan bentuk asas seperti selinder dengan mengubah ruang dan pencahayaan.
Perbezaan pendapat menyebabkan berlaku keliruan mengenai seni kinetik. Keliruan pendapat mengenai kinetik menjadikan kepelbagaian uniti dalam karya. Dalam karangan Stephen Bann banyak menceratakan mengenai permasalahan dalam percanggahan pendapat mengenai kinetik dan konsep digunakan.

Frank Popper: Kinetic Art – Yesterday, Today and Tomorrow

Kinetik banyak digunakan dalam kerja perekaan seni dan aspek pergerakan dalam kinetik adalah domina. Kebanyakan artist menggunakan expressi seni kinetik dalam mendapat gambaran ilusi abstrak dan ia menunjukan bentuk rekaan dalam menhasilkan complek elektronik tiga dimensi. Terdapat tiga perbezaan aspek iaitu kinetic dalam pergerakan ‘virtual’, tiga dimensi dalam pergerakan ‘actual’ dan dua dimensi dalam pergerakan ‘actual’. Seni kinetik adalah sesuatu yang mungkin difikir imaginasi atau sumber intelektual dan pengaruh dalam perubahan seni. Ia menpunyai hubungan rapat antara gambaran pergerakan dan falsafah seperti ‘Vitalisme’ atau expressi masa dan pergerakan dalam seni dan pengiraan matematik. Konsep seperti ‘progress’, ‘order’, repetition’ dan ‘the terms of information theory’ adalah perkembangan kerja seni dalam elemen pergerakan. Teori aestetik mempunyai kaitan dengan pergerakan dan ia banyak mempengaruhi artist, dan Frank Popper menyantakan bahawa kinetik berkait dengan kekuatan dan tenaga – ‘The Aesthetic of Movement’ oleh P. Souriau (1899) – Bergson’s notion of ‘mobilties’.

Kebanyakan artist menggunakan kinetik dalam menghasilkan seperti dalam seni catan dan arca. penggunaan ‘trompe-l’oeil’ dalam karya menghasilkan kesan illusi pada muka banguanan, dalam ‘cupolas’ dan dalam catan. Sejarah ‘colour-organs’ mempunyai hubungan rapat dengan kerja kinetik dalam dua dimensi. Pada abad ke 18, Jesuit, Father Castel, cuba mengembangkan ‘ocular harpsichord’ dengan tujuannya adalah mencari prinsip analogi antara warna dan not muzik. Kebanyakan artist menggunakan kinetik dalam menghasilkan karya seperti Eggeling, Richter pada sekitar 1920, menghasilkan “tangible motion sculpture’ dalam mengkaji pergerakan. Dalam photography banyak mempengaruhi artist sebagai model ‘kinetic artist’, selain itu, meraka tidak menggunakan prinsip pergerakan “actual’ atau konsep pergerakan dalam karya meraka. Selain itu terdapat teknik photo dalam karya “Degas; the ‘chronophotographies’ of Etienne – Jules Marey and animal and ‘locomotion photographs’ ” oleh Eadweard Muybridge ditunjuk dalam catan oleh Seurat dan penggunaan dalam menerangkan pergerakan ‘stroboscopic’ oleh Futurists. Seorang artist Venezuelan,Cruz-Deiz menggunakan optikal kinetik sebagai karyanya selain itu beliau menggunakan ‘chromatic illusions’. Soto menggunakan pergerakan ‘virtual’ dimana pergerakan sebagai phenomenan optikal dan tekanan suara atau ‘vibration’. Dengan ‘polyphonic painting’ karya ini mempunyai maksud gerak, dan struktur dihasilkan oleh Agam. Ia bergetar apabila disentuh dan menghasilkan gambaran dan bentuk hilang dalam pergerakan. Banyak karya menggunakan pergrakan ‘virtual’ menjadi berkesan dalam menghasilkannya.

Gabo’s ‘virtual volume’ merupakan arca kinetic yang pertama tetapi ia merupakan karya pengasingan. Pada tahun 1922, Kemeny dan Moholy-Ngy menggunakan manifesto yang sama dengan Gabo dan Pevsner dalam kaitan dengan kekutan dinamik. Moholy-Ngy berkarya selama bertahun untuk ‘Lichtrequisit’ dan mengembangkan ‘vision in motion’ merupakan terpenting dalam teorikal pada subjek dalam seni. Alexander Calder menumpukan ‘mobile’ dan menggunakan pergerakan rambang dalam arca selepas pameran di Paris pada 1932. Tema ‘mobile’ adalah dicipta oleh Duchamp pada objek direka untuk pameran. Ini dijadikan sebagai alsan kepada Calder untuk meneroka pergerakan rambang. Pada tahun1950, Lynn Chadwick menghasilkan pembinaan wayar dimana menunjukan pengaruh Gonzalez juga dikenali ‘Calder mobile’ sebagai sokongan. Kemudian, Kenneth Martin memulakan siri ‘screw-mobiles’ berdasarkan sambungan dan alat pemantul bergerak.

Selain itu, Andrew Forge menyantakan pergerakan ‘actual’ tidak boleh terlalu ringkas tetapi ia adalah penyelesaian oleh pergerakan yang complek dimana contour bergerak atas dan bawah pada bentuk pejal. George, ‘American of Scottish origin’ dan teorikal bunyi dalam seni kinetik menggunakan ‘garisan lintang’ dan ‘garisan menegak’ ‘mobiles’. Selepas Calder, ‘mobiles’ tidak mendapat perhatian dari pengarca – pengarca dan kumpulan ‘Recherche d’Art visual’ di Paris telah menbuat kajian dalam dua atau tiga dimensi dimana ia berkait dengan penggunaan pergerakan. Selaian itu, idea mengenai ‘Reflektorische Farbenlichtspiele’ oleh Josef Hartwig, 1922 di Bauhaus dimana beliau mengembangkannya kepada satu atau dua displinnya. Sir Hugh Casson menulis “The images can be project to to virtually any size and over almost any surface.”

Schofter telah menyusun pemanadangan ‘Formes et lumieres’ di Liege, dimana alat pantulan dari rekaan dinding kaca ‘Palais de Congres’ dan keluasan permukaannya adalah 1500 meter. Kita dapat tengok dimana seni kinetic adalah sesuatu baru digunakan dalam catan dan arca. Seni kinetic dapat dilihat sebagai contoh media baru dan penggunaan penting dalam hubungan antara seni dan sains dimana ia juga diguna dalam seni bina. Matlamat sains adalah membawa pengetahuan kepada phenomena semulajadi dan seni adalah lebih kepada proses penghasilan.

Seni kinetik pada masa sekarang merupakan penyelesaian pada tema dan masalah umum pada pergerakan dan ia memerlukan rekaan pemandangan yang teratur. Sebagai contohnya, mural kinetik Malina untuk Pergamon Press di Oxford, arca hidrolik di persimpangan jalan terpenting di Buenos Aires oleh Kosice’s dan Vardanega’s model muzik ‘light-colunms’ untuk French Electricity Board. Frank Popper membuat kesimpulan dalam karangannya “new artist, with new problems and new solutions”. Ia merupakan kefahaman kita dalam seni dan kepekaan dalam memahami seni sebenar.

What is Op Art

Movement in Squares, by Bridget Riley, 1961.

Op art, also known as optical art, is used to describe some paintings and other works of art which use optical illusions. Op art is also referred to as geometric abstraction and hard-edge abstraction, although the preferred term for it is perceptual abstraction. The similar sounding Pop art and Plop art are art terms unrelated to Op art.

"Optical Art is a method of painting concerning the interaction between illusion and picture plane, between understanding and seeing. Op art works are abstract, with many of the better known pieces made in only black and white. When the viewer looks at them, the impression is given of movement, hidden images, flashing and vibration, patterns, or alternatively, of swelling or warping.

Optical art branch of mid-20th-century geometric, abstract art that deals with optical illusion. Achieved through the systematic and precise manipulation of shapes and colours, the effects of Op art can be based either on perspective illusion or on chromatic tension; in painting and it similar with magic.

Magic is a performing art that entertains an audience by creating illusions of impossible or supernatural, feats, using purely natural means. These feats are called magic tricks, effects or illusions.

An artist who performs magic is called a magician. Magicians (or magi) are also referred to by names reflecting the type of magical effects they typically perform, such as prestidigitators, conjurors, illusionists, mentalists, ventriloquists, and escape artists.

Historical

Op Art is derived from the constructivist practices of the Bauhaus. This German school, founded by Walter Gropius, stressed the relationship of form and function within a framework of analysis and rationality. Students were taught to focus on the overall design, or entire composition, in order to present unified works. When the Bauhaus was forced to close in 1933, many of its instructors fled to the United States where the movement took root in Chicago and eventually at the Black Mountain College in Asheville, North Carolina, where Anni and Josef Albers would come to teach.

Origin of "Op"

The term first appeared in print in Time magazine in October 1964, though works which might now be described as "op art" had been produced for several years previously. For instance, Victor Vasarely's painting, Zebras (1938), is made up entirely of curvilinear black and white stripes that are not contained by contour lines. Consequently, the stripes appear to both meld into and burst forth from the surrounding background of the composition. Also the early black and white Dazzle panels of John McHale installed at the This is Tomorrow exhibit in 1956 and his Pandora series at the Institute of Contemporary Arts in 1962 demonstrate proto-op tendencies.

An optical illusion by Hungarian-born artist Victor Vasarely

The Responsive Eye

I

The Responsive Eye

In 1965, an exhibition called The Responsive Eye, created by William C. Seitz was held at the Museum of Modern Art in New York City. The works shown were wide ranging, encompassing the minimalism of Frank Stella and the smooth plasticity of Alexander Liberman, alongside the masters of the movement: Victor Vasarely and Bridget Riley. The exhibition focused on the perceptual aspects of art, which result both from the illusion of movement and the interaction of color relationships. The exhibition was enormously popular with the general public, though less so with the critics. Critics dismissed Op art as portraying nothing more than trompe l'oeil, or tricks that fool the eye. Regardless, Op art's popularity with the public increased, and Op art images were used in a number of commercial contexts. Bridget Riley tried to sue an American company, without success, for using one of her paintings as the basis of a fabric design.

How op works

Black & white and the figure-ground relationship

Op art is a perceptual experience related to how vision functions. It is a dynamic visual art, stemming from a discordant figure-ground relationship that causes the two planes to be in a tense and contradictory juxtaposition. Op Art is created in two primary ways. The first, and best known method, is the creation of effects through the use of pattern and line. Often these paintings are black and white, or otherwise grisaille. Such as in Bridget Riley's famous painting, Current (1964), on the cover of The Responsive Eye catalogue, black and white wavy lines are placed close to one another on the canvas surface, creating such a volatile figure-ground relationship that causes one's eyes to hurt. Another reaction that occurs is that the lines create after images of certain colors due to how the retina receives and processes light. As Goethe demonstrates in his treatise Theory of Colours, at the edge where light and dark meet color arises because lightness and darkness are the two central properties in the creation of color.

Color

Bridget Riley later produced works in full color, and other Op artists have worked in color as well, although these works tend to be less well known. Josef Albers taught the two primary practioners of the "Color Function" school at Yale in the 1950s: Richard Anuszkiewicz and Julian Stanczak. Often, colorist work is dominated by the same concerns of figure-ground movement, but they have the added element of contrasting colors which have different effects on the eye. Anuszkiewicz is a good example of this type of painting. In his "temple" paintings, for instance, the juxtaposition of two highly contrasting colors provokes a sense of depth in illusionistic three-dimensional space so that it appears as if the architectural shape is invading the viewer's space. Although Riley has gained international fame, the fact is she conceives of the work, but does not execute them herself.

How op works

Black & white and the figure-ground relationship

Op art is a perceptual experience related to how vision functions. It is a dynamic visual art, stemming from a discordant figure-ground relationship that causes the two planes to be in a tense and contradictory juxtaposition. Op Art is created in two primary ways. The first, and best known method, is the creation of effects through the use of pattern and line. Often these paintings are black and white, or otherwise grisaille. Such as in Bridget Riley's famous painting, Current (1964), on the cover of The Responsive Eye catalogue, black and white wavy lines are placed close to one another on the canvas surface, creating such a volatile figure-ground relationship that causes one's eyes to hurt. Another reaction that occurs is that the lines create after images of certain colors due to how the retina receives and processes light. As Goethe demonstrates in his treatise Theory of Colours, at the edge where light and dark meet color arises because lightness and darkness are the two central properties in the creation of color.

Color

Bridget Riley later produced works in full color, and other Op artists have worked in color as well, although these works tend to be less well known. Josef Albers taught the two primary practioners of the "Color Function" school at Yale in the 1950s: Richard Anuszkiewicz and Julian Stanczak. Often, colorist work is dominated by the same concerns of figure-ground movement, but they have the added element of contrasting colors which have different effects on the eye. Anuszkiewicz is a good example of this type of painting. In his "temple" paintings, for instance, the juxtaposition of two highly contrasting colors provokes a sense of depth in illusionistic three-dimensional space so that it appears as if the architectural shape is invading the viewer's space. Although Riley has gained international fame, the fact is she conceives of the work, but does not execute them herself.

Intrinsic Harmony, by Richard Anuszkiewicz, 1965

Stanczak's compositions tend to be the most complex of all of the color function practitioners. Taking his cue from Albers and his influential book Interaction of Color, Stanczak deeply investigates how color relationships work. "Stanczak created various spatial experiences with color and geometry; the latter is far easier to discuss. Color has no simple systematized equivalent. Indeed, there may be no way to describe it that is both meaningful and accurate. Descriptions of it (the color wheel or color solids, for example) are all necessary distortions. While color derives from the electromagnetic scale that corresponds to the magnitudes of energy expressed by musical pitch, in fact, the neurological occidentals by which we experience color make it seem multidimensional, while musical pitch (not timbre, volume, or duration) is experienced as a linear relationship...Stanczak's 'gift is for layering. He arranges transparent patterns upon patterns so that you see through them as gauziest screens, each one seeming to fold as if it moves.'"

Color interaction

There are three major classes of the interaction of color: simultaneous contrast, successive contrast, and reverse contrast (or assimilation). (i) Simultaneous contrast may take place when one area of color is surrounded by another area of a different color. In general, contrast enhances the difference in brightness and/or color between the interacting areas...Such contrast effects are mutual, but if the surround area is larger and more intense than the area it encloses, then the contrast is correspondingly out of balance, any may appear to be exerted in one direction only. (ii) In successive contrast, first one color is viewed and then another. This may be achieved either by fixing the eye steadily on one color and then quickly replacing that color with another, or by shifting fixation from one color to another. (iii) In reverse contrast (sometimes called the assimilation of color or the spreading effect) the lightness of white or the darkness of black may seem to spread into neighboring regions. Similarly, colors may appear to spread into or become assimilated into neighboring areas. All such effects tend to make neighboring areas appear more alike, rather than to enhance their differences as in the more familiar simultaneous contrast, hence the term reverse contrast (Jameson and Hurvich, 1975). Note that in the interaction of color the constituent colors retain much of the own identity even though they may be altered somewhat by contrast.

Artists known for their Op art

• Yaacov Agam
• Richard Allen
• Richard Anuszkiewicz
• Carlos Cruz-Díez
• John McHale
• Youri Messen-Jaschin
• Julio Le Parc
• Bridget Riley
• Julian Stanczak
• Jesús Rafael Soto
• Günther Uecker
• Victor Vasarely